La peli de hoy (22): HASTA QUE LA SUEGRA NOS SEPARE. El especial del humor

Carlos Álvarez es un buen imitador, además del único sobreviviente junto a Jorge Benavides de programas de los ochenta de sábados por la noche como el recordado “Risas y Salsa”. Pero de ahí a confundir el humor nacional con una comedia de cine hay una buena diferencia. El elenco en si esta sacado de su propio programa, entonces adelantémonos que la “yunta” trabaja por hacerle el pare al señor y porque hoy en día el cine nacional está de moda, y cualquier hijo de vecina puede hacer una película. HASTA QUE LA SUEGRA NOS SEPARE, es una comedia torpe, hecha a paporreta, sin el mínimo esfuerzo, cuyo recurso cinematográfico se limita a ver travestido a Carlos Álvarez y a la comicidad del mismo. Como si con sus imitaciones nos cansaramos de verlo vestido de mujer (Bartola, Michelle Bachelet). Entonces lo demás viene metido con cierta pizca de humor nacional, un par de gags cómicos básicos que venimos arrastrando desde los tiempos del chavo del ocho que criollisamos en nuestra televisión nacional y el chiste de doble sentido vulgar. No pensemos que encontraremos el mínimo de respeto como espectador, sino más bien tápense los oídos porque esta película no solo se ve mal, sino se escucha peor. Tan malo es el montaje post producción que películas de Tondero ("Locos de Amor") de este año son próximas nominadas al Oscar en comparación. Como película seria buen sketch (largo) de “El especial del Humor”, de ahí no pasa.

La peli de hoy (21): MIEDO PROFUNDO. Si vas a una playa, asegúrate de saber el nombre

[Spoilers en bikini "sexy"]En tiempos de SHARKNADO llega una película que no se centra en inverosímiles torbellinos que esparcen tiburones digitales, sino que se basa en un elemental uso del cine de sobrevivencia. Ese que depende del factor sorpresa y cuyo suspense esta en ver peligrar la vida de los protagonistas en medio de situaciones extremas. Ahora ¿Es la nueva "Tiburon"?... Para nada, pero como cine de entretenimiento pasable la pelicula se deja disfrutar. La premisa de "Miedo Profundo" (Joume Collet- Sierra 2016) es básica - chica rubia extranjera que llega a una playa desconocida para surfear y termina atacada por un tiburón - por eso no necesita mayor giro argumental y todo depende del propio tiempo de la película, cuyo metraje acertadamente no llega a los 90 minutos. En Miedo Profundo la verdadera sorpresa nunca llega del todo, más que nada, porque se limita a una serie de efectos moderados, y por supuesto, un desenlace predecible. Lo que si se muestra es el mar en toda su naturaleza posible, aunque lo que realmente importa es esa brecha que existe entre un pedazo de roca, que se va hundiendo por la marea, y la tierra firme de la playa. Entonces entendemos que la mayor dificultad de la película es acercar al espectador a las imposibilidades de la protagonista que no puede correr por obvias razones, ni nadar porque un tiburón la rodea. La película en si es todo ella, desde el momento en que entra al mar en un wepsu que no le termina de cerrar el busto (ojito al fanservice), el medio drama familiar para compensar y toda la parafernalia de supervivencia ante un monstruo marino. A pesar de ser una película efectiva, logra escalonar bien las pautas de género. Propicia una relación con el medio ambiente tangible, mientras que las tomas bajo agua son de lo más rescatable. La película procura llenar de elementos de auxilio como la tabla de surf, una boya que aparece flotando sospechosamente o una ballena a medio morir; quizás el vínculo externo que existe entre la carrera profesional de la protagonista es lo  más truño pero se necesita justificar de alguna forma que todo el daño físico que sufre la protagonista pueda ser contrarrestado, para que simplemente no muera de una hemorragia. Aquí el chiste es ver si logra salvarse del tiburón, y todo el instinto natural de sobrevivencia. Lo mismo pasa que, a falta de personajes secundarios, la mayoría de intervenciones solo sirven para terminar asesinados por el tiburón. Un acierto en este aspecto es que se optó por no ser más gore de lo necesario, sino limitarse a recrear una cierta tensión y que sea la sangre en el mar la que termine graficando la violencia. Otro asunto es el uso de los medios de comunicación tecnológicos como una cámara de celular para que la protagonista interactúe con su familia y explicar porque está ahí, o la cámara de video para grabar una “conmovedora” despedida. MIEDO PROFUNDO carece de un desenlace sorpréndete, sino más bien se inclina por una confrontación como último acto que simplifica toda la película. Y que hace ver a una rubia con cuerpo de modelo (y buen culo) como una autentica heroína a prueba de tiburones. Para terminar, ¿que es más raro?, ¿Encontrar un tiburón o un borracho en una playa desconocida?.

CONOCIENDO A JULIETA RODRIGUEZ. Pero si es una nena

SUKITTE II NA YO CAP 52 – RESEÑA. Mira que bien se ve

Aunque el tiempo de publicación del manga sigue igual de difícil esta vez se trata de un capítulo de transición de los personajes centrales de la historia. Nos encontramos en una situación más ligera a partir del último arco importante, y vamos conociendo como cada uno trata de abrirse camino en su nueva etapa profesional. La mayoría de shojos en este punto ya son aviso de que las tramas se van cerrando, el camino de Sukki te i na yo quiere ir un poco más despacio dejando huella por encima del romance de Tachibana y Yamato, y todo el culebrón vivido anteriormente. Por eso quizás ver compartir un momento en unas vacaciones de verano pueda significar algo más con cara al futuro. Y sobre todo si la propia Tachibana es quien invita al novio (como has cambiado pelona). Otro caso parecido es los avatares por lo que pasa la carrera artística de Megumi, suponiendo que el resto se encuentre encerrado en sus propia metas lo de la chica es cada vez porque está fuera de Japón y tiene que encontrarse con una serie de imposibilidades físicas. Pareciera que la más grande lucha que tiene es sacar el estigma de chica asiática de todas las agencias de modelos francesas que a saco estereotipan y ponen como pretexto el no contratarla. Ya vivimos un poco de la rebeldía de la chica en el capítulo anterior (SUKITE Ii NA YO CAPITLO 51 – CRITICA. Los asuntos amorosos andan en automatico), lo que pasa en este es frustración cien por ciento con ese intento de cortarse el cabello solo para que se fijen en ella. En qué grado de desesperación debe estar. Y se entiende, porque regresar seria sinónimo de fracaso. La mangaka resuelve la situación haciéndole un guiño a un nuevo romance con un fotógrafo freelance, claro que eso no significa nada sobre todo si Kai ya empieza atocigarse de Rin ¿O no?. En fin, por los demás Asami es la que la tiene más clara; si Mei quiere ser profesora, ella también.

La peli de hoy (20): VIDEOFILIA (y otros sindromes virales). El otro cine peruano, es una porno mal grabada

[Spoilers videofilicos] Al  igual que “SEBASTIAN”, esta película independiente viene precedida de logros importantes en distintos festivales y su último galardón se lo llevó en el festival de Lima de este año como “Mejor película independiente”. Claro que cuando hablamos de cine independiente, escaso y poco exhibido por estar tierras, el resultado puede ser igual de poco prometedor que ese nuevo cine peruano de películas comerciales post “Asu Mare”. Independientemente de lo independiente que sea, y es, la película narra una vivencia extraña de dos personajes centrales llamado Luz (Muki Sabogal) y Junior. El comienzo indica una atmósfera plagada de una serie de collage cybernetico, como auto presentación de un “virus virtual” que poco a poco se hace más bizarro y cuyos resultados finales no quedan del todo claros. ¿Fue entonces una necesidad imperiosa ver “VIDEOFILIA”?

UnREAL (Segunda temporada): La buena televisión

Es tan despreciable todo lo que pasa dentro del realitie “metatelevisivo” de la serie "Everlasting," que encuentras necesario ese momento de felicidad final, y real, para balancear un poco toda la manipulación que se cuece dentro. En ese sentido, el final de la segunda temporada, termina siendo una cachetada para su “showrunner” que ha seguido ventilando el concepto más morboso de la televisión americana. Si bien es cierto todo lo que pasa dentro del realitie y lo manipulables que son sus concursantes (y sus propios productores) es lo más interesante de la serie, el aspecto políticamente incorrecto que te muestra puede llegar a ser igual de conmovedor o “asqueroso” como parodia de la sociedad yanqui. Como la lucha entre el poder femenino creativo contra el monopolio de las cadenas y los hombres que las gobiernan. Otro caso parecido es el del retrato negro dentro de la televisión americana, y esa necesidad de salvar tu imagen de los medios de comunicación. El que todas las mujeres de un realitie sean “etiquetas” estereotipadas o que un hombre negro no puede escoger una mujer de su misma raza. Esconder un intento de violación solo por el prestigio del programa. O por último la obsesión por el trabajo de sus protagonistas junto con esa parodia de telenovela de líos amorosos que guarda la serie, la hacen imprescindible, como ficción y “buena” televisión.

“HARMONY” (PELICULA 2015) – CRITICA. ¿Estas dispuesta a morir conmigo?

“TOKI WA KAKERU SHOUJO” Y “SUMMER WARS” – CRITICA. No eres tu Mamoru, soy yo

Se  estrena “El niño y la bestia” asi que decidí calentar los motores repasando la filmografía previa de Mamoru Hosoda. Así que di un salto… a mi computadora y probarme a mí mismo si mi indiferencia es una cuestión generacional o del hater que todos llevamos dentro y de vez en cuando me gana. Anteriormente cuando comente Ōkami Kodomo no Ame to Yuki deje la sensación de estar viendo una narración cursi y con una moraleja de respeto a la naturaleza, ahora con este par de películas compruebo que Mamoru Hosoda peca de chantajista y de romántico consigo mismo. A la fuerza quiere vendernos personajes entrañables, que dentro de su universo, ya sea de instituto o de villa campesina, sus personajes deambulen en el limbo del shojo más rosa y de la historia de autor. Pero todas comparten una linealidad ligera, solo comparable con su diseño auto calcado. Los cuadros generales redundan en un solo tema, que más a fin de lo que pensamos, en ese universo tripartita de niños lobos, chicas que saltan el tiempo y guerras virtuales pueden arrancar más de una lagrimilla, pero que si no te gusta simplemente quedaras como un insensible. En mi defensa, y espero la de muchos, de un punto de vista discrepante con el cine de Hayao Miyasaki (a todas luces referente de Hosoda) no es suficiente con una fábula bien animada o en su defecto personajes entrañables (alguien dijo estudio ghibli), la identidad del cine de animación debería estar menos cargada de sentimentalismo  por un efectismo, en todo el sentido del término, de equilibrio técnico y narrativo. En ese sentido, ambas películas tienen lo primero pero les falta lo segundo, que junto con la mencionada Ōkami Kodomo no Ame to Yuki, me dejan la sensación, otra vez, de sobrevaloradas, más lineales que un capítulo del chavo del ocho y terminan colaborando menos que valores contemporáneos, y consagrados, como el cine de Makoto Shinkai. Lo siento Mamoru Hosoda no eres tú, soy yo…

DEVIOUS MAIDS (Cuarta temporada): No todas las sirvientas son latinas

Es   cierto, tan cierto, como que en esta serie nunca dejara de explotarse el factor sexo como modus operandi. Las divergencias de esta temporada, cuarta ya, de una serie que en su principio parodiaba, entre otras cosas, los azares de cuatro sirvientas latinas ha procurado mostrar algo más que el simple chiste racista del que tanto ha colgado. En Marisol, la que a priori es la madura del grupo, se ha tratado de tocar el mensaje de una mujer en un mundo de hombres. Por supuesto bebiendo de resultados menos escandalizadores como en el caso de la serie que una hora después se trasmite por el mismo canal, UnReal. En cambio siempre tendremos que conformarnos en que la trama termine desencantándose por el hecho amoroso, y en el cliché culebronesco, donde cama de por medio, harán que vuelva (¿otra vez?) a acostarse con su ex. Y porque no mencionar, muy superficialmente, el tema de las violaciones en la farándula americana. De las demás poco podemos hablar. Zoila implanta una culpa en Genevieve, que hace que se separe de su patrona por la pérdida del hijo del final de temporada anterior. Ha sido gracioso ver en Genevieve esa difícil tarea que representa la busqueda de un amigo sustituto a tiempo completo. Para una mujer frívola, maniquí anoréxico, papel que no se canse de representar. Zoila en cambio ha tenido un momento de superficialidad poco creíble, junto con un enredo con el vecino millonario, donde lo que mas resalto fue esa tension esporadica con Adrian. Y por supuesto ese reflejo, y chiste cansino, de que los patrones no siempre recuerdan a las sirvientas, porque todos los mexicanos son iguales. En fin, Carmen en una crisis de edad, nos enteramos que es madre de una adolescente con los mismos sueños de cantante, no había que ser adivino para ir previniendo el desenlace de dicha relación. Mientras que la susodicha Daniela es otra latina, tan, o mas sobresexuada que la madre. No podría ser Davious Maids sin un asesinato, esta vez, pensando en la audiencia, la elegida fue Peri. Mala esposa, mala madre, mala patrona, mala actriz… que la trama central haya desembocado en una secta es otra farsa tan meritoria como que Zoila se acueste con un sexi boy blanco con complejo de Edipo. En fin siempre seguirán siendo los Powell, aquel matrimonio que me encanta, y nunca dejare de seguir, los que lleven las riendas de esta serie. Lo más raro es que al igual que las sirvientas, en los patrones las crisis maritales terminan resolviéndose en un arranque de ira sexual. Asi pues, mientras los Powell sigan siendo tan divertidos, a mí que me importa el resto de la serie.  

[COMIC] BATMAN: EL TRIBUNAL DE LOS BUHOS – CRITICA

Ya  se me había olvidado que en la cabecera del blog dice que aquí se hablaba de comic americano así que en una tarea algo fácil gracias a las publicaciones de peru21 me puse con el superhéroe primigenio y porque no mi favorito, BATMAN, “El tribunal de lo búhos” constaron de siete entregas clásicas de grapas y en un papel couche que los del periódico, a pesar de que desde hace mucho el precio ha subido, todavía siguen respetando la calidad desde aquella  primera publicación de "Spider- man regreso a casa" que por ese entonces llena de mucha publicidad de golosinas (por lo que costaba la mitad) nunca llegue a terminar. En fin, el comic en cuestión, es una historia relativamente fácil de entender, plantea la situación favorita de Batman en la cual tendrá que verse metido en un misterio sobre un asesinato sospechoso, recordando que antes que superhéroe es “el detective del comic”. Lo trepidante del comic es la forma en como la historia desencaja o busca desencajar al protagonista, teniendo como referencia al pasado y poniendo en primer plano a ciudad gótica vemos metido al inicio una lucha política de la cual el alter ego tiene que tomar parte recordándonos  que él (Bruce Wayne) es un ciudadano ilustre y con poder, muy a parte de sus labores nocturnas que pocos conocen. El retrato de “ciudad gótica” es el adecuado, no tan cargado como muchos piensan debido a lo estigmatizado que nos dejó la saga de Cristopher Nolan más bien lo “interesante” es que en todo sentido se busca crear una sombra oculta bajo la fachada de un mito o leyenda urbana de la cual la familia Wayne está relacionada. El escepticismo de Batman y esa lucha casi mortal con un villano que irónicamente pareciera “inmortal” llevan a un punto mucho más psicológico, que en mi ignorancia sobre el comic no sé si ya antes se abra repetido, la historia pone al héroe en un “laberinto” (literal) de emociones dignas de cualquier plan maquiavélico del Joker solo que en este caso estamos ante una secta que se hace llamar el tribunal de los búhos y que quiere recuperar el control de la ciudad. Es cuando la frase de que el búho es el cazador del murciélago se hace más metafórica que nunca.

LEYENDO EL MANGA DE INUYASHIKI (por Hiroya Oku) – CRITICA. ¿Original u otra marcianada más?

Conocido mundialmente por Gantz Hiroya Oku ha desarrollado una personalidad propia en sus trabajos llenándolos de situaciones típicas del juego de rol en un mundo cyber punk bien definido; ahora Inuyashiki, el trabajo más reciente del mangaka actualmente en publicación quincenal, para definirlo sería como un remanente más lineal de manga anterior, incluso hay una autoreferencia propia donde dos personajes discuten sobre la trascendencia de Gantz situándonos en un plano donde la violencia es puesta como pretexto para justificar, primero, el entretenimiento y segundo, golpear directamente la historia del manga en cuestión ya que Inuyashiki en sus primeros tomos es una lucha entre el bien y el mal regularmente definida. A diferencia de un complejo universo donde una esfera negra era el elemento inquietante de la serie Gantz esta vez opta por una historia muy causa- efecto  delineando dos personajes muy contrapuestos, para el mangaka el factor edad determina las ambiciones de cada personaje central, además de que acompaña al “villano” de una especie de conciencia amical que recuerda, y a la vez cansa, como en su momento le paso con la relación  Kurono- Kato. Y no deja esa filosofia de las segundas oportunidades y el cambio de vida. Realmente el trabajo a nivel guion no llega a un nivel sorprendente sino más bien se deja llevar por las situaciones de buscar empatía en un viejo acabado por el trabajo y la familia, un típico salariman japonés; mientras que la sociedad que lo rodea está llena de violencia juvenil, insistiendo otra vez en el tema del bullying escolar o de las pandillas callejeras. La acción de su manga es a golpe de efecto conociendo bien que el tipo no tiene escrúpulos en matar así sean pequeños inocentes. Otro cliché es que su historia trata de ser pausada dejando el misterio central de un lado, a ese nivel nos presenta un trabajo menos potente sino más bien opta por recrear situaciones donde sea la impresión del dibujo el factor central. Aquí prefiere llenar al propio cuerpo como una arma de destrucción masiva cual “Terminator”, resulta a veces simpática la inventiva pero el trazo en general está perdido por viñetas completas de una página donde lo que más resalta es el negro pasado por la computadora dejándose ver más como un fotograma en negativo. Sigue usando al perro como mascota favorita mientras lo que curiosamente evita es la figura femenina dejándonos claro que si bien es cierto la voluptuosidad de sus chicas es más que admirada nunca ha podido escribir un personaje femenino interesante (Kishimoto en mallas negras era más fanservice que otra cosa). En fin hasta la fecha llevo dos tomos del manga, no soy fanático del mangaka a pesar de haber leído un par de trabajos previos como la antológica yuri “HEN” o  la comedia milf “KIMOSHI” dejando a Gantz como un mito que siempre me ha inquietado por el factor de morir dos veces, Inuyashiki por lo que he leído está en el limbo de ser una historia original o de simplemente ser otra marcianada mas para los fanaticos del mangaka.

KIZUMONOGATARI PARTE 1 TEKKETSU HEN (PELÍCULA 2016) – CRITICA. Te demoraste demasiado!

Se puede definir a KIZUMONOGATARI como una película cien por ciento efectiva, si ya el estudio Shaft ha logrado diferenciar todas la secuelas del anime por un estilo elegante lo que vemos en la película se lleva a otro nivel que a punta de animación por computadora quiere vislumbrar más que la iluminación de la película, cada encuadre está hecho para resaltar a niveles de melodías parsimoniosas cuyos movimientos a cámara lenta desesperan por momentos, mientras que por otro lado la dirección busca que la propia cámara logre un efecto de movimiento abrumador ya sea desde  planos generales tan característicos del anime. KIZUMONOGATARI no cuenta una historia sino más bien detalla todo lo contado anteriormente, es en conclusión fanservice hecho para el gif.

PREACHER (Primera temporada): Vayan con (y tras) Dios

La sensación final que deja la primera temporada de PREACHER es que ha sido una larga presentación de personajes, lo más inútil es que al final solo  nos quedamos con los tres centrales como trio freaki  que en forma de road movie tan usual en películas de la hyper violencia como características que Tarantino a remasticado hasta el cansancio van en busca de su redención. Basta suponer que el Dios perdido es una consigna que puede hacerse más larga de lo conveniente a la vez de llevar más desventuras a un show televisivo que arranco siendo un what the fuck y que termina siendo otro what the fuck cargándose a un pueblo a lo Sodoma y Gomorra, en donde hasta los mas “angelitos” pecan de ira (o no sheriff). Entonces solo queda entender la serie como lo que es una adaptación televisiva de un comic que por lo que sé se presta para la violencia más visceral, mientras los chispazos de humor negro metidos a saco con la religión y ese ímpetu de ser políticamente incorrecto terminaron surgiendo efecto para levantar el concepto del propio show. No se puede ser tan impío al no reconocerle a PREACHER que ha sabido jugar con el concepto de Dios y esas recriminaciones en que los católicos, protestantes o simplemente ateos guardamos dentro para un “ser” que no tiene rostro y que peor aun supuestamente nos terminara juzgando. Saber que el mismísimo Dios es capaz de perderse o de caer en el propio infierno suena a una ironía que hay que tomarla con más sentido de humor que sonrojarnos especialmente cuando hemos sido testigos de hechos mucho más lastimeros donde el puto amo del pueblo se carga a cuatro “feligreses” a punta de escopeta. En la serie todos son víctimas del propio espectáculo de la violencia como bien lo vemos en el picnic improvisado mientras quieren desalojar al predicador o ese dilema que surge a partir de  evitar manchar el carro con los sesos de un “judas”. Pero no ha habido escena más salvaje que la pelea en el motel donde el milagro de la resucitación se dio más de una vez y no precisamente por obra y gracia del espíritu santo. Entonces PREACHER se pinta a sí misma como una serie de entretenimiento adulto, siendo lo más pesado los vaivenes de fe del predicador y la cruz que carga en la conciencia por Eugene. Solo nos queda esperar la segunda temporada y mientras evitar cruzarnos con ese diablo pistolero.

La peli de hoy (19): “ASÍ NOMAS”. O como no se deben hacer las películas

Es fácil decir que debemos apoyar el cine nacional lo difícil es que el cine nacional nos apoye a nosotros. Imposible pedir que nos retribuya el gasto de la entrada que aparte de las golosinas que algunos evitamos consumir (no me digan tacaño)  quizás la verdadera perdida haya sido un instante de nuestro tiempo frente a una pantalla gigante  (más valioso para algunos que otros) total si el público peruano pareciera tener metido el humor a lo “pataclaun” donde pedorrearse es sinónimo de comedia entonces dejémoslo así nomás. Protagonizada por un trió de patazas que se desahuevan entre ellos (hasta para el manoseo), convirtiendo a la película es una vorágine de lisuras soltadas por voluntad propia debemos entender esto como la línea recursiva donde el hilo conductor de la historia prende del humor "chabacano" como bien se hace recordar en una de las escenas y finalmente lo que estamos viendo es todo una parodia casi reflexiva de lo que es el cine nacional de hoy por hoy: personajes autosuficientes + figuras mediáticas + nula interpretación + lisuras + humor popular.